Biografias de los artistas
JAZZ
Spyro Gyra
Fundado en 1974 por el saxofonista Jay Beckenstein, Spyro Gyra ha sido consistentemente uno de los grupos de pop-jazz comercialmente exitosos de los últimos 30 años. La banda se convirtió en una empresa de tiempo completo en 1976 y ha estado de gira desde entonces. Los críticos aman atacar la música de esta banda, que combina R&B y elementos de música pop y caribeña con el
jazz, pero sus actuaciones en directo son a menudo estimulantes - a diferencia de muchos
de sus discos, que hacen hincapié en las melodías bailable.
Las raíces de Spyro Gyra yacían en Buffalo, NY, en 1974. Beckenstein y su amigo de toda la vida, el tecladista Wall Jememy, habían estado dirigiendo un grupo con una membresía rotativa; Cada uno de los muchos miembros de la banda estaban ligeramente involucrados en las escenas locales de jazz y rock. Alrededor de 1974, el grupo empezaba a gelificar y cultivar seguidores. El dueño de un club quien quería anunciar la próxima presentación de la banda pidió a Beckenstein el nombre del grupo. El saxofonista le dijo "Spirogyra", una palabra que aprendió en un curso de biología universitaria. El propietario escribió mal la palabra como Spyro Gyra, y la banda tomó forma con Beckenstein, Wall, Jim Kurzdorfer y Tom Walsh. Poco después, el grupo añadió al tecladista Tom Schuman. El guitarrista eléctrico Chet Catallo, el baterista Eli Konikoff y el percusionista Gerardo Velez se unieron en 1978 (con Wall dropping out) y el bajista David Havold Wofford fue agregado en 1980. Leer más.....
jazz, pero sus actuaciones en directo son a menudo estimulantes - a diferencia de muchos
de sus discos, que hacen hincapié en las melodías bailable.
Las raíces de Spyro Gyra yacían en Buffalo, NY, en 1974. Beckenstein y su amigo de toda la vida, el tecladista Wall Jememy, habían estado dirigiendo un grupo con una membresía rotativa; Cada uno de los muchos miembros de la banda estaban ligeramente involucrados en las escenas locales de jazz y rock. Alrededor de 1974, el grupo empezaba a gelificar y cultivar seguidores. El dueño de un club quien quería anunciar la próxima presentación de la banda pidió a Beckenstein el nombre del grupo. El saxofonista le dijo "Spirogyra", una palabra que aprendió en un curso de biología universitaria. El propietario escribió mal la palabra como Spyro Gyra, y la banda tomó forma con Beckenstein, Wall, Jim Kurzdorfer y Tom Walsh. Poco después, el grupo añadió al tecladista Tom Schuman. El guitarrista eléctrico Chet Catallo, el baterista Eli Konikoff y el percusionista Gerardo Velez se unieron en 1978 (con Wall dropping out) y el bajista David Havold Wofford fue agregado en 1980. Leer más.....
Maria Rivas
Es una de las vocalistas y compositoras contemporáneas más relevantes de Venezuela.
Nativa de Caracas, su versatilidad y movimiento musical sentó precedente de un nuevo sonido fusionando Las Tres Américas.
Coloreando su música con los matices indígenas, europeos y africanos que conforman su estilo único al representar nueva era de la interpretación del Latín Jazz el World Music y Folk tropical.
María Rivas, una voz y un mensaje.
María comenzó a cantar profesionalmente en los pubs caraqueños a principios de los 80´, luego es contratada en la isla de Aruba, y durante casi tres años presentó
su Show “Viaje Sentimental a través del Jazz”, abriendo
junto al mùsico arubiano Ivan Jensen y su grupo Ferrari, la primera edición del Aruba Jazz Festival.
Regresa a Caracas a principios del 90, comenzó a presentarse en los teatros y locales
más importantes de Caracas y en las principales capitales de su país, logrando ser
reconocida como una de las artistas mas apreciadas de Venezuela cuando logró llenar
durante tres días consecutivos la magnífica sala Ríos Reina del Teresa Carreño, a finales del mismo año de su regreso.
Su expresión, dinamismo, afinación y espontaneidad al interpretar temas en español,
inglés y portugués la reconocen como una de las voces más versátiles de Latinoamérica según el maestro y compositor venezolano Aldemaro Romero.
Su Lucha a través de sus composiciones por la defensa del ambiente natural la hizo líder ecologista y merecedor del primer premio de su carrera artística, el William H. Phelps, como defensora del Ambiente.A partir de ese momento maria comienza a ser iconográfica en el apoyo a la protecciòn de parques y educación de reciclaje a través de conciertos a cielo abierto. Leer más.....
Nativa de Caracas, su versatilidad y movimiento musical sentó precedente de un nuevo sonido fusionando Las Tres Américas.
Coloreando su música con los matices indígenas, europeos y africanos que conforman su estilo único al representar nueva era de la interpretación del Latín Jazz el World Music y Folk tropical.
María Rivas, una voz y un mensaje.
María comenzó a cantar profesionalmente en los pubs caraqueños a principios de los 80´, luego es contratada en la isla de Aruba, y durante casi tres años presentó
su Show “Viaje Sentimental a través del Jazz”, abriendo
junto al mùsico arubiano Ivan Jensen y su grupo Ferrari, la primera edición del Aruba Jazz Festival.
Regresa a Caracas a principios del 90, comenzó a presentarse en los teatros y locales
más importantes de Caracas y en las principales capitales de su país, logrando ser
reconocida como una de las artistas mas apreciadas de Venezuela cuando logró llenar
durante tres días consecutivos la magnífica sala Ríos Reina del Teresa Carreño, a finales del mismo año de su regreso.
Su expresión, dinamismo, afinación y espontaneidad al interpretar temas en español,
inglés y portugués la reconocen como una de las voces más versátiles de Latinoamérica según el maestro y compositor venezolano Aldemaro Romero.
Su Lucha a través de sus composiciones por la defensa del ambiente natural la hizo líder ecologista y merecedor del primer premio de su carrera artística, el William H. Phelps, como defensora del Ambiente.A partir de ese momento maria comienza a ser iconográfica en el apoyo a la protecciòn de parques y educación de reciclaje a través de conciertos a cielo abierto. Leer más.....
Osvaldo Ayala
El acordeonista panameño Osvaldo Ayala comenzó a tocar su instrumento favorito a la edad de 7 años. Después de adquirir experiencia y conocimiento en la combinación de folclore y diferentes ritmos pop latinos, formó su propia banda, llamada Ritmos Santeños.
Conocido como el Escorpión de Paritilla en referencia al lugar donde nació, Osvaldo Ayala tuvo la oportunidad de trabajar junto a Celia Cruz, Wilfrido Vargas, Tito Nieves y Oscar D'León, entre otros artistas latinos populares que participan en el exitoso álbum de Rubén Blades La Rosa de Los Vientos.
En reconocimiento a su contribución a las artes locales, el gobierno panameño lo nombró Embajador Cultural ... leer más
Conocido como el Escorpión de Paritilla en referencia al lugar donde nació, Osvaldo Ayala tuvo la oportunidad de trabajar junto a Celia Cruz, Wilfrido Vargas, Tito Nieves y Oscar D'León, entre otros artistas latinos populares que participan en el exitoso álbum de Rubén Blades La Rosa de Los Vientos.
En reconocimiento a su contribución a las artes locales, el gobierno panameño lo nombró Embajador Cultural ... leer más
Malamanya
Malamanya es una banda con base en los Estados Unidos compuesta por músicos que comparten un respeto mutuo y entusiasmo por ritmos y melodías tradicionales de Cuba y América Latina.
Su estilo es vintage y su sonido clásico. Su energía en el escenario y sus composiciones reflejan el espíritu comunal, complejo y de celebración que prevalece en estos géneros musicales.
Malamanya lanzó un nuevo álbum de larga duración en agosto del 2016. Leer más......
Su estilo es vintage y su sonido clásico. Su energía en el escenario y sus composiciones reflejan el espíritu comunal, complejo y de celebración que prevalece en estos géneros musicales.
Malamanya lanzó un nuevo álbum de larga duración en agosto del 2016. Leer más......
John Carney
John nació en Ciudad de Panamá y comenzó su carrera musical allí antes de trasladarse a los Estados Unidos. Continuó su carrera interpretando Country, Rock, R&B, Blues, Latin Jazz y Clásico. Además de tocar en Panamá, Nuevo México y Texas, John ha actuado en Atlantic City, Cancún, Orlando, Nueva Orleans y en Europa con el galardonado guitarrista suizo de Blues Andy Egert. John también ha abierto para Bo Diddley, Styx, Little Richard, Clint Black, y ha apoyado a artistas legendarios como Joe Cocker y Percy Sledge. En 1991 John se convirtió en guitarrista principal de la "Big Otis Show Band" y pasó los siguientes 8 años tocando junto a muchos de los mejores músicos de Texas. En el 2000, John comenzó su propia banda de jazz "Max Cat", además de actuar con la reconocida cantante nicaragüense, Yelba. Actualmente se puede ver a John actuando regularmente en la Ciudad de Panamá y en el área de Coronado en Panamá. En febrero del 2015, John se presentó en el Noveno Festival Anual de Jazz & Blues de Boquete con su banda "Gato Maximo", además de unirse a Yelba y su banda. John fue invitado a regresar a Boquete para presentarse en el en febrero 2016 y 2017. John está ansioso por presentarse en el 12º Festival Anual de Jazz & Blues de Boquete en febrero de 2018. Leer más.....
Charlie Marré
Charlie Marre es un músico de conga que nació en la ciudad de Panamá, Panamá. Charlie ha tocado con varias bandas de jazz latino y salsa en Cuba y Panamá.
Es Director de su propio grupo de salsa "Son Pa Ti". Trabaja formalmente como abogado en la Ciudad de Panamá. Leer más.....
Es Director de su propio grupo de salsa "Son Pa Ti". Trabaja formalmente como abogado en la Ciudad de Panamá. Leer más.....
The Rigoberto Coba Sin Ensemble Band
Rigoberto Coba es nativo de David, la capital de la provincia panameña de Chiriquí, ubicada a sólo 38 km de Boquete. Siendo profesor de música en una universidad de David, está trabajando con varias formaciones musicales con diferentes estilos musicales, desde jazz hasta salsa, bossa nova y merengue. Leer más....
BLUES
Dwayne Dopsie
Ganador de "El mejor acordeón de América", Dwayne (Dopsie) Rubin, toca con un estilo único de alta energía de zydeco. Dwayne proviene de una de las familias de Zydeco más influyentes del mundo. Aunque inspirado por la tradición, él ha desarrollado su propio estilo con alta energía que desafía los estereotipos existentes y encendiendo una trayectoria refrescantemente distinta para la música del Zydeco del siglo XXI. Este cantante, compositor y acordeonista ha actuado en todo el mundo desde que debutó con su banda, Dwayne Dopsie y los Zydeco Hellraisers, a los 19 años.
Dwayne, nacido el 3 de marzo de 1979 en Lafayette, Luisiana, fue el último de ocho niños. Dwayne atribuye sus habilidades musicales a su padre, Rockin 'Dopise, padre, un pionero de la música de Zydeco. Desde pequeño, Dwayne estaba interesado en el washboard, pero rápidamente se dio cuenta que tenía un talento increíble con el acordeón. Ha tocado el acordeón desde los siete años de edad y dice: "Esta es mi vocación; la música de Zydeco está en mi sangre, es mi corazón y mi alma". Como un homenaje a su difunto padre, la persona más influyente en su vida, Dwayne planea grabar un álbum de los éxitos de Zydeco más grandes de su papá. Leer más.....
Dwayne, nacido el 3 de marzo de 1979 en Lafayette, Luisiana, fue el último de ocho niños. Dwayne atribuye sus habilidades musicales a su padre, Rockin 'Dopise, padre, un pionero de la música de Zydeco. Desde pequeño, Dwayne estaba interesado en el washboard, pero rápidamente se dio cuenta que tenía un talento increíble con el acordeón. Ha tocado el acordeón desde los siete años de edad y dice: "Esta es mi vocación; la música de Zydeco está en mi sangre, es mi corazón y mi alma". Como un homenaje a su difunto padre, la persona más influyente en su vida, Dwayne planea grabar un álbum de los éxitos de Zydeco más grandes de su papá. Leer más.....
Otis Taylor
Con Otis Taylor, lo mejor es esperar lo inesperado. Mientras que su música, una amalgamación de estilos root en su forma más cruda, discute asuntos pesados como el asesinato, la carencia de hogar, la tiranía, y la injusticia; su estilo personal es alegre. "Soy bueno en lo oscuro, pero no soy una persona particularmente infeliz", dice. "Me gustaría ganar suficiente dinero para comprar un Porsche".
Parte de la atracción de Taylor son sus rasgos de carácter contrastantes. Pero es precisamente este elemento de sorpresa lo que lo convierte en uno de los artistas más atractivos que emergen en los últimos años. De hecho, la revista Guitar Player escribe, "Otis Taylor es posiblemente el artista de blues más relevante de nuestro tiempo". Ya se trate de su instrumentación única (él prefiere el banjo y el cello), o es el sonido repentino de una voz femenina, o una canción optimista divertida el cual parece un giro para el desamparado, lo que sigue siendo una coherente narración conmovedora basada en la verdad y la historia. En su sexto CD, Double V, Taylor desencadena cuentos íntimos mientras produce una excursión auditiva inspirada en una infancia no convencional.
Otis Mark Taylor nació en Chicago en 1948. Después que su tío fuera asesinado a balazos, su familia se trasladó a Denver, donde el interés de un adolescente por el blues y el folk fue cultivado. Sus padres eran grandes aficionados a la música; "Me crie con músicos de jazz", dice Taylor. "Mi papá trabajaba para el ferrocarril y conocía a mucha gente de jazz, era un socialista y un bebopper real". Su madre, Sarah, una mujer tan dura como un clavo con inclinaciones liberales, tenía una afición por Etta James y Pat Boone. El joven Otis pasó tiempo en el Denver Folklore Center donde compró su primer instrumento, un banjo. Él solía tocarlo mientras montaba su monociclo a la secundaria. El Folklore Center fue también el lugar donde escuchó por primera vez Mississippi John Hurt y country blues. Aprendió a tocar la guitarra y la armónica y, a mediados de su adolescencia, formó sus primeras bandas, el Butterscotch Fire Department Blues y más tarde Otis Taylor Blues Band. Se aventuró en el extranjero a Londres, donde se presentó por poco tiempo hasta que regresó a los Estados Unidos a finales de los años 60. Su siguiente proyecto se convirtió en T&O short line con el legendario cantante/guitarrista de Deep Purple Tommy Bolin. Stints con el 4-Nikators y Zephyr antes que decidiera tomar un descanso del negocio de la música en 1977. Durante este tiempo él estableció una carrera exitosa como comerciante de antigüedades y también comenzó a entrenar a un equipo de ciclistas profesionales. Ocuparon el cuarto lugar en la nación y fueron conocidos por tener dos de los mejores ciclistas afroamericanos del país. Leer más.....
Parte de la atracción de Taylor son sus rasgos de carácter contrastantes. Pero es precisamente este elemento de sorpresa lo que lo convierte en uno de los artistas más atractivos que emergen en los últimos años. De hecho, la revista Guitar Player escribe, "Otis Taylor es posiblemente el artista de blues más relevante de nuestro tiempo". Ya se trate de su instrumentación única (él prefiere el banjo y el cello), o es el sonido repentino de una voz femenina, o una canción optimista divertida el cual parece un giro para el desamparado, lo que sigue siendo una coherente narración conmovedora basada en la verdad y la historia. En su sexto CD, Double V, Taylor desencadena cuentos íntimos mientras produce una excursión auditiva inspirada en una infancia no convencional.
Otis Mark Taylor nació en Chicago en 1948. Después que su tío fuera asesinado a balazos, su familia se trasladó a Denver, donde el interés de un adolescente por el blues y el folk fue cultivado. Sus padres eran grandes aficionados a la música; "Me crie con músicos de jazz", dice Taylor. "Mi papá trabajaba para el ferrocarril y conocía a mucha gente de jazz, era un socialista y un bebopper real". Su madre, Sarah, una mujer tan dura como un clavo con inclinaciones liberales, tenía una afición por Etta James y Pat Boone. El joven Otis pasó tiempo en el Denver Folklore Center donde compró su primer instrumento, un banjo. Él solía tocarlo mientras montaba su monociclo a la secundaria. El Folklore Center fue también el lugar donde escuchó por primera vez Mississippi John Hurt y country blues. Aprendió a tocar la guitarra y la armónica y, a mediados de su adolescencia, formó sus primeras bandas, el Butterscotch Fire Department Blues y más tarde Otis Taylor Blues Band. Se aventuró en el extranjero a Londres, donde se presentó por poco tiempo hasta que regresó a los Estados Unidos a finales de los años 60. Su siguiente proyecto se convirtió en T&O short line con el legendario cantante/guitarrista de Deep Purple Tommy Bolin. Stints con el 4-Nikators y Zephyr antes que decidiera tomar un descanso del negocio de la música en 1977. Durante este tiempo él estableció una carrera exitosa como comerciante de antigüedades y también comenzó a entrenar a un equipo de ciclistas profesionales. Ocuparon el cuarto lugar en la nación y fueron conocidos por tener dos de los mejores ciclistas afroamericanos del país. Leer más.....
The Nighthawks
Cuando Mark Stutso, maestro del groove profundo, se unió a The Nighthawks a principios de 2010, la versión del siglo XXI de la legendaria American Roots Band fue completada. Con Paul Bell y Johnny Castle en la banda durante casi una década, y el padre fundador Mark Wenner el original restante, este grupo eclipsa todas las encarnaciones anteriores.
The Nighthawks fue una idea en el cerebro de Mark Wenner mucho antes que fuese capaz de implementarla. El producto musical de la radio pre-1958 en Washington, DC, no sabía que había reglas contra la mezcla de blues, R&B, country honky-tonk, doo-wop, gospel y rockabilly en un delicioso guiso.
En 1972, Mark, entonces de 23 años, volvió a su ciudad natal después de un aprendizaje de banda en la ciudad de Nueva York deseoso de comenzar una real, trabajar-toda la noche tipo de banda basada en la música americana del roots. Encontró una escena local receptiva. Washington ha sido durante mucho tiempo un crisol musical del tipo que hizo a Memphis la fuente para la evolución de la música americana en la segunda mitad del siglo 20. Simplemente nunca tuvo una etiqueta discográfica de Stax o Sun que mostrarle al mundo. A medida que la ciudad explotó con una afluencia de personas de todos los estados circundantes durante la Gran Depresión y la Segunda Guerra Mundial, Washington se convirtió en un semillero de fertilización musical cruzada. Cuando Bill Haley trajo por primera vez de Pennsylvania su loca mezcla de música hillbilly, R&B a D.C. en 1952, la gente lo captó. Los niños blancos como Mark encontraron el Howard Theatre - ahora recientemente restaurado y parte del nivel histórico superior del circuito de Chitlin que incluía el Royal de Baltimore, el Regal de Chicago y el Apolo de Nueva York – a sólo un paseo de 25 centavos en autobús de distancia de los suburbios. Leer más…..
The Nighthawks fue una idea en el cerebro de Mark Wenner mucho antes que fuese capaz de implementarla. El producto musical de la radio pre-1958 en Washington, DC, no sabía que había reglas contra la mezcla de blues, R&B, country honky-tonk, doo-wop, gospel y rockabilly en un delicioso guiso.
En 1972, Mark, entonces de 23 años, volvió a su ciudad natal después de un aprendizaje de banda en la ciudad de Nueva York deseoso de comenzar una real, trabajar-toda la noche tipo de banda basada en la música americana del roots. Encontró una escena local receptiva. Washington ha sido durante mucho tiempo un crisol musical del tipo que hizo a Memphis la fuente para la evolución de la música americana en la segunda mitad del siglo 20. Simplemente nunca tuvo una etiqueta discográfica de Stax o Sun que mostrarle al mundo. A medida que la ciudad explotó con una afluencia de personas de todos los estados circundantes durante la Gran Depresión y la Segunda Guerra Mundial, Washington se convirtió en un semillero de fertilización musical cruzada. Cuando Bill Haley trajo por primera vez de Pennsylvania su loca mezcla de música hillbilly, R&B a D.C. en 1952, la gente lo captó. Los niños blancos como Mark encontraron el Howard Theatre - ahora recientemente restaurado y parte del nivel histórico superior del circuito de Chitlin que incluía el Royal de Baltimore, el Regal de Chicago y el Apolo de Nueva York – a sólo un paseo de 25 centavos en autobús de distancia de los suburbios. Leer más…..
The Iguanas
The Iguanas de Nueva Orleáns, Luisiana reflejaron la diversidad de estilos musicales encontrados en su estado natal mezclando el blues, el R&B clásico, el zydeco, el Cajun, el Tex-Mex, y las raíces rock & roll. El grupo se formó en 1989 alrededor del vocalista y guitarrista Rod Hodges quien comenzó a tocar la guitarra en el área de la Bahía de San Francisco en bandas de rock y blues a los 14 años. Mientras tocaba con una banda de blues en Colorado, redescubrió la música de conjunto que formaba parte de la herencia mexicana de su madre; inspirado por el acordeonista maestro Flaco Jiménez, también tomó el acordeón. El vocalista y saxofonista Joe Cabral fue criado en Nebraska, y su primera experiencia musical vino como parte de la banda mexicana de su padre. En la universidad en Montana, descubrió el blues de Chicago, el R&B de Nueva Orleans, y el pitante estilo del saxofón. El bajista Rene Coman fue oriundo de Nueva Orleans, con créditos de grabación como Alex Chilton, Guitar Slim Jr. y Willy DeVille, mientras que el saxofonista Derek Huston y el baterista Willie Panker completaron alineación original.
The Iguanas grabaron su álbum debut auto titulado en 1993 - un pastiche funk de New Orleans ("Late at Night"), música latina ("Para Donde Vas") y polka mexicana ("Tome sus fotos, sus cartas y su anillo" - para la etiqueta de Margaritaville de Jimmy Buffett. Para el segundo lanzamiento de la banda, Nuevo Bugaloo en 1994, Panker fue reemplazado en la batería por Doug Garrison. Según Garrison, trabajó por primera vez con Rene Coman en la banda Alex Chilton a mediados de los años 80, donde desarrollaron fuertes lazos musicales. También han grabado junto con Panther Burns de Tav Falco, y Garrison aparece en la última grabación de Charlie Rich, el influenciado por el jazz Pictures and Paintings. En 1996 la banda grabó su disco final para el sello de Margaritaville, Super Ball, que incluía un lugar de invitado para el guitarrista y fanático de The Iguanas Dave Alvin. Después del lanzamiento de Sugar Town en 1999 para la marca Koch, The Iguanas firmaron con Yep Roc, se reunieron con el productor Justin Niebank, y lanzaron Plastic Silver 9-Volt Heart en 2003. ~ Richard Skelly, Rovi. Leer más.....
The Iguanas grabaron su álbum debut auto titulado en 1993 - un pastiche funk de New Orleans ("Late at Night"), música latina ("Para Donde Vas") y polka mexicana ("Tome sus fotos, sus cartas y su anillo" - para la etiqueta de Margaritaville de Jimmy Buffett. Para el segundo lanzamiento de la banda, Nuevo Bugaloo en 1994, Panker fue reemplazado en la batería por Doug Garrison. Según Garrison, trabajó por primera vez con Rene Coman en la banda Alex Chilton a mediados de los años 80, donde desarrollaron fuertes lazos musicales. También han grabado junto con Panther Burns de Tav Falco, y Garrison aparece en la última grabación de Charlie Rich, el influenciado por el jazz Pictures and Paintings. En 1996 la banda grabó su disco final para el sello de Margaritaville, Super Ball, que incluía un lugar de invitado para el guitarrista y fanático de The Iguanas Dave Alvin. Después del lanzamiento de Sugar Town en 1999 para la marca Koch, The Iguanas firmaron con Yep Roc, se reunieron con el productor Justin Niebank, y lanzaron Plastic Silver 9-Volt Heart en 2003. ~ Richard Skelly, Rovi. Leer más.....
Magic Dick and Shun Ng
Nacido en 1945 en New London, Connecticut, Magic Dick llegó en la América de la posguerra de la Bomba Atómica, Paz Mundial, Bebop y Rhythm & Blues. El cambio dinámico, el crecimiento en las artes y la tecnología serían la marca de fábrica de esta era y para el momento en que Dick tenía 8 años, ya sabía que la música, la pintura y la física serían sus intereses primarios.
La trompeta era su compañero constante y sirvió como trampolín para la armónica en su segundo año en el Instituto Politécnico de Worcester en Worcester, Massachusetts, donde conoció a J. Geils y Danny Klein y se convirtió en un miembro fundador de la J. Geils Blues Band en 1968. Leer más.....
Shun Ng es un galardonado guitarrista virtuoso, cantante y compositor, conocido por su estilo único que infunde elementos de Soul, Funk, Blues y Jazz. Shun deslumbra a audiencias de todo el mundo con su técnica extravagante, voz conmovedora y groove hipnótico. Él se coloca como uno de los ejecutantes más dinámicos e innovadores, ganando elogios del legendario productor Quincy Jones hasta virtuosos de la guitarra como Tuck Andress. Read more.....
Shun Ng is an award-winning fingerstyle guitar virtuoso, singer and songwriter, known for his unique style which infuses elements of Soul, Funk, Blues and Jazz. Shun dazzles audiences from all over the world with his flamboyant technique, soulful vocals and hypnotic groove. He stands as one of the most dynamic and innovative performers, winning accolades from legendary producer, Quincy Jones to fellow guitar virtuoso, Tuck Andress. Leer más.....
La trompeta era su compañero constante y sirvió como trampolín para la armónica en su segundo año en el Instituto Politécnico de Worcester en Worcester, Massachusetts, donde conoció a J. Geils y Danny Klein y se convirtió en un miembro fundador de la J. Geils Blues Band en 1968. Leer más.....
Shun Ng es un galardonado guitarrista virtuoso, cantante y compositor, conocido por su estilo único que infunde elementos de Soul, Funk, Blues y Jazz. Shun deslumbra a audiencias de todo el mundo con su técnica extravagante, voz conmovedora y groove hipnótico. Él se coloca como uno de los ejecutantes más dinámicos e innovadores, ganando elogios del legendario productor Quincy Jones hasta virtuosos de la guitarra como Tuck Andress. Read more.....
Shun Ng is an award-winning fingerstyle guitar virtuoso, singer and songwriter, known for his unique style which infuses elements of Soul, Funk, Blues and Jazz. Shun dazzles audiences from all over the world with his flamboyant technique, soulful vocals and hypnotic groove. He stands as one of the most dynamic and innovative performers, winning accolades from legendary producer, Quincy Jones to fellow guitar virtuoso, Tuck Andress. Leer más.....
Ian Siegel
Nacido en lo profundo del sur (de Inglaterra!), los primeros recuerdos musicales de Ian fueron Buddy Holly, Jerry Lee Lewis, Elvis y Chuck Berry, pero fue al escuchar al gran Little Richard que realmente atrapó el gusanito de la música y se convirtió en nada menos que obsesivo al respecto. Esto lo llevó a una pasión de toda la vida por el Blues y todas sus diversas ramas, y sobre todo, el hombre a quien llama "Dios" - el inimitable Muddy Waters.
A los 16 años comenzó como acompañante de vez en cuando para la banda de su primo y una noche, muy inesperadamente, se le pidió que cantara. El resultado fue un público impactado y un talento vocal encantador (y bastante sorprendido!) con una larga carrera por delante.
Fue dos años más tarde que tomó una guitarra y se enseñó a tocar, escuchando a los gustos de Muddy, B.B King, Robert Cray y Albert Collins. A los 20 años abandonó el colegio de Arte y viajó a Berlín para vivir. Aquí es donde dice que su forma de tocar mejoró dramáticamente, ya que si no ganaba dinero, ¡no comía! Para cuando regresó a
Inglaterra sabía que una carrera en la música era el único para él.
Una visita a Nottingham resultó en una estadía de 5 años y la primera banda de Ian se convirtió en uno de las más populares en la escena de la música local, con una residencia en el renombrado The Running Horse atrajo casa llena y apariciones en los festivales Colne y Burnley recibiendo favorables críticas. Su primer álbum "Picture Postcards" también mostró a Ian como un compositor talentoso con una profunda comprensión de las tradiciones musicales, pero con la mirada en el futuro. Leer más.....
A los 16 años comenzó como acompañante de vez en cuando para la banda de su primo y una noche, muy inesperadamente, se le pidió que cantara. El resultado fue un público impactado y un talento vocal encantador (y bastante sorprendido!) con una larga carrera por delante.
Fue dos años más tarde que tomó una guitarra y se enseñó a tocar, escuchando a los gustos de Muddy, B.B King, Robert Cray y Albert Collins. A los 20 años abandonó el colegio de Arte y viajó a Berlín para vivir. Aquí es donde dice que su forma de tocar mejoró dramáticamente, ya que si no ganaba dinero, ¡no comía! Para cuando regresó a
Inglaterra sabía que una carrera en la música era el único para él.
Una visita a Nottingham resultó en una estadía de 5 años y la primera banda de Ian se convirtió en uno de las más populares en la escena de la música local, con una residencia en el renombrado The Running Horse atrajo casa llena y apariciones en los festivales Colne y Burnley recibiendo favorables críticas. Su primer álbum "Picture Postcards" también mostró a Ian como un compositor talentoso con una profunda comprensión de las tradiciones musicales, pero con la mirada en el futuro. Leer más.....
Anne Harris
"Una vez que hayas presenciado a Anne Harris tocar el violín, no es probable que olvides la experiencia en poco tiempo, no es sólo lo maravillosos de la música que dibuja su arco a través de las cuerdas, es también la forma en que el espíritu de la música emana de ella, o tal vez como la música la habita, pero es imposible no ser cautivado bajo su hechizo "(BluesWax)
Blues es una forma de arte expresiva y en ninguna parte se puede encontrar un Bluesician más expresivo que la mística violinista, Anne Harris. Rodando, mezclando y doblando una variedad de influencias musicales desde Celta a Americana a Funk ella encarna un musical morfo de géneros en sonidos Blues los cuales son todos suyo. Anne es un talento instrumental reconocido internacionalmente que ha cautivado a audiencias en todo el mundo. Su mando del escenario está marcado por un torbellino de sonidos y emociones visuales. Su presencia en escena gitana es realmente inolvidable y revolucionaria en el siempre creciente género de Blues. (Big Blues Bender)
La cantante-compositora y violinista de Chicago ha estado elaborando y evolucionando su sonido único que abarca cinco discos de estudio independientes e innumerables presentaciones en vivo. También tocó violín en directo o en estudio con numerosos otros artistas, entre ellos el virtuoso de blues harp y el ganador de GRAMMY, Terrance Simien, Anders Osborne, Tab Benoit, el icono de los blues Bob Margolin, Living Colour, Moreland & Arbuckle, David Mayfield, Amy Helm, Cathy Richardson y ocasionalmente con las leyendas hippie Jefferson Starship. Leer más.....
Blues es una forma de arte expresiva y en ninguna parte se puede encontrar un Bluesician más expresivo que la mística violinista, Anne Harris. Rodando, mezclando y doblando una variedad de influencias musicales desde Celta a Americana a Funk ella encarna un musical morfo de géneros en sonidos Blues los cuales son todos suyo. Anne es un talento instrumental reconocido internacionalmente que ha cautivado a audiencias en todo el mundo. Su mando del escenario está marcado por un torbellino de sonidos y emociones visuales. Su presencia en escena gitana es realmente inolvidable y revolucionaria en el siempre creciente género de Blues. (Big Blues Bender)
La cantante-compositora y violinista de Chicago ha estado elaborando y evolucionando su sonido único que abarca cinco discos de estudio independientes e innumerables presentaciones en vivo. También tocó violín en directo o en estudio con numerosos otros artistas, entre ellos el virtuoso de blues harp y el ganador de GRAMMY, Terrance Simien, Anders Osborne, Tab Benoit, el icono de los blues Bob Margolin, Living Colour, Moreland & Arbuckle, David Mayfield, Amy Helm, Cathy Richardson y ocasionalmente con las leyendas hippie Jefferson Starship. Leer más.....
The José Ramirez Project
Jose Ramirez es un cantante de 28 años de edad, cantante/guitarrista de blues que vino a América en enero del 2016 desde San José Costa Rica. Durante más de 10 años, José desarrolló una escena de Blues en su país, empezando su primera banda cuando tenía 17 años y produciendo varios eventos y festivales de Blues donde tuvo la oportunidad de conocer y tocar con músicos como Smokin 'Joe Kubek, Bnois King , Debbie Davies y John Carey.
José también fue anfitrión del único Blues Jam de Costa Rica durante más de 3 años seguidos antes de venir a Estados Unidos para seguir su sueño de tocar The Blues. Cuando llegó a Estados Unidos, conoció a la cantante nativa de la Florida Lauren Mitchell quién lo contrató para tocar
guitarra en su banda.
Juntos tocaron algunos de los mejores festivales de blues en Florida incluyendo el Bonita Springs Blues Festival compartiendo el proyecto con Shawn Holt y Sonny Landreth y también el Pompano Mess 'O' Blues Festival compartiendo el proyecto con Eric Gales y Coco Montoya. Leer más....
José también fue anfitrión del único Blues Jam de Costa Rica durante más de 3 años seguidos antes de venir a Estados Unidos para seguir su sueño de tocar The Blues. Cuando llegó a Estados Unidos, conoció a la cantante nativa de la Florida Lauren Mitchell quién lo contrató para tocar
guitarra en su banda.
Juntos tocaron algunos de los mejores festivales de blues en Florida incluyendo el Bonita Springs Blues Festival compartiendo el proyecto con Shawn Holt y Sonny Landreth y también el Pompano Mess 'O' Blues Festival compartiendo el proyecto con Eric Gales y Coco Montoya. Leer más....
PRODUCTORES EJECUTIVOS
Deanna Bogart
"blusion... todo crece del Blues ... aunque no siempre termina ahí ... "db
Cuando se trata de Deanna Bogart, todo el mundo quiere clamarla como suya, su ciudad natal, sus fans, sus compañeros músicos e incluso sus instrumentos. Ella es tan buena y de tan buena naturaleza.
Nacida en Detroit, Deanna pasó sus primeros años en Phoenix y en la ciudad de Nueva York, trepándose a cualquier banco de piano disponible para tocar y tocando con un sobresalto preternatural. Alrededor de la edad de seis años, fue "retirada delicadamente" del Conservatorio de Música de Brooklyn por tocar el piano de oído en lugar de aprender a leer música. Mientras estaba en la escuela secundaria, Deanna ansiaba tocar el saxofón. Típico de esas épocas le dijeron, las "niñas tocan el clarinet, no el sax". Afortunadamente para todos nosotros, esa marea ha cambiado.
Hoy en día, Deanna Bogart es un galardonado músico multi-instrumentista y multifacético, cuyos aficionados valoran la diversidad de género libre. Como líder de banda / cantante / compositora / productora / pianista / saxista, Deanna combina lo mejor de boogie-woogie, blues contemporáneo, country y jazz en una espléndida mezcla que ella llama "blusión". Leer más.....
Cuando se trata de Deanna Bogart, todo el mundo quiere clamarla como suya, su ciudad natal, sus fans, sus compañeros músicos e incluso sus instrumentos. Ella es tan buena y de tan buena naturaleza.
Nacida en Detroit, Deanna pasó sus primeros años en Phoenix y en la ciudad de Nueva York, trepándose a cualquier banco de piano disponible para tocar y tocando con un sobresalto preternatural. Alrededor de la edad de seis años, fue "retirada delicadamente" del Conservatorio de Música de Brooklyn por tocar el piano de oído en lugar de aprender a leer música. Mientras estaba en la escuela secundaria, Deanna ansiaba tocar el saxofón. Típico de esas épocas le dijeron, las "niñas tocan el clarinet, no el sax". Afortunadamente para todos nosotros, esa marea ha cambiado.
Hoy en día, Deanna Bogart es un galardonado músico multi-instrumentista y multifacético, cuyos aficionados valoran la diversidad de género libre. Como líder de banda / cantante / compositora / productora / pianista / saxista, Deanna combina lo mejor de boogie-woogie, blues contemporáneo, country y jazz en una espléndida mezcla que ella llama "blusión". Leer más.....
Lance Anderson
Lance Anderson ganó el Premio Maple Blues por piano/teclista del año el lunes, 20 de enero del 2014, en Toronto.
Anderson fue nombrado Piano /Teclado del Año en la 17a gala anual de los Blues Awards de Maple en Toronto después de haber sido nominado en la categoría ocho veces en los últimos 12 años. "Lo que me gusta más es tocar el piano y el órgano Hammond, así que esta es la primera vez que me han reconocido por eso, por tocar", dijo Anderson el martes.
El Maple Blues Awards es el programa nacional de premios de blues de Canadá. Su objetivo es promover la música de blues en Canadá, y reconocer los logros sobresalientes en el campo.
Lance es un productor exitoso, con créditos de grabación como Leahy (doble Juno, Platinum Virgin Music artistas de grabación) y una serie de grabaciones recientes bajo su propio sello, Make It Real Records. Estos incluyen el internacionalmente aclamado 2B3 del Toronto Sessions, Live at the Wolf por Garth Hudson (The Band), Brotherhood por Blackburn, y All Play and No Work por el Cameo Blues Band. Lance también inició y co-produjo el Oscar Peterson Multimedia CD ROM, ahora atesorado mundialmente por los fanáticos y músicos de Jazz. Leer más.....
Anderson fue nombrado Piano /Teclado del Año en la 17a gala anual de los Blues Awards de Maple en Toronto después de haber sido nominado en la categoría ocho veces en los últimos 12 años. "Lo que me gusta más es tocar el piano y el órgano Hammond, así que esta es la primera vez que me han reconocido por eso, por tocar", dijo Anderson el martes.
El Maple Blues Awards es el programa nacional de premios de blues de Canadá. Su objetivo es promover la música de blues en Canadá, y reconocer los logros sobresalientes en el campo.
Lance es un productor exitoso, con créditos de grabación como Leahy (doble Juno, Platinum Virgin Music artistas de grabación) y una serie de grabaciones recientes bajo su propio sello, Make It Real Records. Estos incluyen el internacionalmente aclamado 2B3 del Toronto Sessions, Live at the Wolf por Garth Hudson (The Band), Brotherhood por Blackburn, y All Play and No Work por el Cameo Blues Band. Lance también inició y co-produjo el Oscar Peterson Multimedia CD ROM, ahora atesorado mundialmente por los fanáticos y músicos de Jazz. Leer más.....
El Festival de Jazz & Blues en Boquete está apoyado de la Autoridad de Turismo de Panamá y el alcalde de Boquete
Ilustraciones de Karin Carney - MaritaMade.com
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